Músicos en el cine: The Moment y The Loneliest Man in Town
Los biopics sobre personalidades de la música están a la orden del día, películas en las que algún actor o actriz se pone en la piel del artista musical de turno y mostrar las complejidades que no se ven cuando estos suben a un escenario. Everybody Digs Bill Evans (Grant Gee, 2026), que competía en la sección oficial del festival, podría encuadrarse en ese tipo de película, si bien se aleja lo bastante para ser una rareza en el género. Pero ha habido dos películas en esta edición de la Berlinale que han coqueteado con la industria de la música desde otra perspectiva, una en la que son los propios cantantes los que se interpretan a sí mismos y ponen su imagen al servicio de una ficción. Estas películas son The Moment y The Loneliest Man in Town, dos propuestas completamente opuestas en muchos sentidos, pero que comparten el elemento mencionado antes.
The Moment, de Aidan Zamiri
Por un lado, quizás la más sonada debido a la envergadura actual de su estrella, es The Moment, le película que utiliza el formato del documental para explicar una posibilidad alternativa en la carrera de Charli XCX. La propuesta formal es deliberadamente opresiva, encerrando a Charli en el constante temblor de las cámaras en mano buscando el frenesí de situaciones de las que se pierde el control, y atosiga a su protagonista para ponerla en una posición vulnerable a todo lo que sucede en su entorno. The Moment se aproxima a este propósito con mucho humor, con algunos personajes realmente caricaturescos (entre los que cabe destacar el divertidísimo e irritante papel de Alexander Skarsgård) y situaciones cargadas de sátira. De este modo, en contraste con la oprimente atmósfera de la película, el largometraje resultante se siente como un desahogo de su protagonista y sirve de crítica a la industria, tanto musical como cinematográfica, y a la insaciable necesidad de exprimir todo lo que funciona hasta que se agota o, si la cosa sale mal, se rompe. Parte de esta mirada se enfatiza en un monólogo discursivo, realizado por la propia Charli, que la expone como la víctima de las circunstancias para redimirla de sus errores, un recurso algo facilón que no se corresponde con el espíritu rompedor del que hace gala la protagonista. Eso sí, la película no se queda únicamente en la crítica: el comentario que subyace a los catastróficos acontecimientos se generaliza en su significado y se erige como una recomendación, la de saber poner fin, incluso cuando no se quiere por miedo a la incertidumbre del futuro.
The Loneliest Man in Town, de Tizza Covi y Reiner Frimmel
Para este caso el protagonista en cuestión es Al Cook, un cantante de blues austriaco que ya en sus ochentas se interpreta a sí mismo en un entrañable film sobre el tiempo, el legado y la huella que deja una vida tras de sí. La premisa sitúa al bueno de Cook en una situación que le obliga a renunciar a la casa donde ha vivido toda su vida. Mientras se hace a la idea, viejos sueños aparecen de manera inesperada y en el proceso de cambio se enfrentan pasado y presente. La propuesta tiene tintes del humor al que nos tiene acostumbrados Aki Kaurismäki, con esas actuaciones desprovistas de emoción y que, sin embargo, parecen decirnos tanto con tan solo una mirada. La propia situación de las escenas genera la sensación anímica del momento, todo en una atmósfera cuidada que se vacía a medida que el protagonista se despoja de sus posesiones. La pareja de directores, sin embargo, abrazan la esperanza del cambio sin cuestionarse las posibilidades dado el contexto. La melancolía de una vida que desaparece se impregna de la ilusión de un Al Cook que descubre en la obligación al cambio una excusa para intentar cumplir con su sueño y, sobre todo, no renunciar al blues. Una esperanza que se antoja imposible y, por momentos, cómica, pero ofrece la posibilidad de que la entrañable historia de Al Cook simbolice el fin de una vida o, quizás, un renacer.
